Et me voici, là, face à la mer avec le son du Kurt Blues Band dans les oreilles. Ce groupe français débarque sur les ondes avec son premier projet : « Chains on me ». Voyons s’ils arrivent à déchaîner nos passions.

Dès l’entame, « Chains on me » déroule sa ballade Bluesy et la voix tout en sobriété de sa chanteuse. Il y a une signature vocale. Cette voix douce et posée se ballade entre riffs et accords bleus. Le solo est bien posé, batteur et bassiste soutenant l’ensemble. Cela démarre plutôt bien même si j’avoue attendre un peu plus d’énergie dans la voix d’Edi, étant donné les effusions guitaristiques.

« I’am laughing» et « Stay in your bedroom » sont plus up tempo, bien sentis et plutôt accrocheurs. La composition et les arrangements tombent à point ; il y a de légères incursions du côté de la Soul 60’s. Je me laisse faire et commence à siffler tandis qu’à quelques mètres, la mer ronronne.

« Jimmy» creuse dans une veine plus James Hunter au début. Ce titre devrait faire le bonheur des salles de concert. Le changement radical de groove à mi-chemin est prompt à faire sauter le spectateur. Plutôt bien vu même.

« Stop man » est plus funky et les ponts insufflent une petite touche psychédélique qui contraste et font respirer l’ensemble.

« I needn’t say more» est vraiment très orienté Otis ; ce n’est pas pour me déplaire non plus. Du vieux blues rock.

On en vient désormais à « Open country » qui est mon titre préféré. Il y a du Tedeschi Trucks Band dans l’interprétation de cette chanson. J’aime franchement la manière qu’à le guitariste d’arriver avec un trémolo légèrement saturé et de progresser pas après pas. De plus, la voix me semble correspondre mieux à cette atmosphère feutrée.

Au final, c’est un début prometteur qu’il va falloir confirmer par la suite. Le talent est bien là et quelques chansons se détachent.

Fabrice Mareau

INTERVIEW

Si vous deviez décrire votre musique en un seul mot, ce serait lequel ?
Blues bien sûr. Mais on s’autorise souvent à sortir du cadre standard.

Qu’est ce qui caractérise le plus votre musique ?
En plus du blues qui constitue le socle, on rajoute un mélange de soul, de funk, de Rhythm & Blues, et
même un peu de rock. On ne fait pas que dans les 12 mesures classiques, on mixe plusieurs ingrédients
pour apporter différentes couleurs. Le plus important reste la spontanéité. On a enregistré l’album tous les
instruments ensemble, de façon « live ».

Quelles sont vos influences musicales ?
Tout le classic-blues-rock des sixties et seventies, et même celui qui sort encore aujourd’hui. Mais ce sont
surtout les références du genre qu’on a en tête : SRV, Clapton, Gallagher, Buddy Guy, Muddy Waters, BB
King…

D’où vient le nom de votre groupe ?
C’est le batteur Mickaël Kurt qui a fondé le groupe, d’où son nom.

Comment travaillez-vous pour créer vos chansons ?
Pour le morceau-titre de l’album Chains On Me, il y avait une idée de mélodie au départ. Avec la guitare et
la basse on a mis en place une grille d’accords, et enfin la chanteuse Edi a écrit un texte suivant son
inspiration. Les autres chansons datent des précédentes formules du groupe qui ont parfois eu clavier et
cuivres, mais nous les avons réarrangées pour les adapter à notre quartet chant-guitare-basse-batterie.

Quelle est votre actualité ?
Ces derniers temps, on a passé pas mal de temps à peaufiner les différentes étapes du CD :
enregistrement, mixage… maintenant on n’a qu’une envie : jouer sur scène. Des dates sont en train de se
programmer.

( Crédit photo : Jean-François Lixon )

Mickaël Kurt (batterie), Philippe Lyaudy (basse) et Jean-François Convert (guitare) habitent Lyon depuis longtemps. La chanteuse Edibelk Armas Musso est originaire du Venezuela et a rejoint le groupe en septembre dernier.

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Page Instagram : https://www.instagram.com/kurtbluesband/
Chaine YouTube : https://www.youtube.com/@KurtBluesBand

Page Web : https://textes-blog-rock-n-roll.fr/kurt-blues-band/

Il va de soi qu’il faut voir Ghalia en Live, sa formidable présence sur scène, une énergie folle!

Ghalia Volt – Shout Sister Shout ! (Ruf records, Octobre 2023)

Après la sortie de son album au titre prémonitoire,” Funambule ou tentative de survie en milieu hostile”, une tournée aux salles affichant complet et une épidémie de Covid stoppant tout en plein vol avec break forcé, Paul s’est octroyé une récréation, une envie qui le taraude depuis longtemps, comme il l’explique lui-même ci-dessous, et nous reviens non pas avec un mais deux albums.

Le Pourquoi du Comment par Paul Personne « L’idée commence à germer au début des années 90. Mais cette période est déjà suffisamment submergée de covers de toutes sortes et je n’ai pas envie de m’accrocher à ce train de la reprise systématique. La seule que j’ai réalisée en français est une version un peu particulière de “Frankie & Johnny” en 1986 sur l’album “24/24” et une autre version jouée en tournée en duo avec Gloria.

J’y pensais de temps à autre mais je rangeais ça au fond d’un tiroir, c’était pas l’moment.

Il a fallu que l’être humain en fasse encore des siennes avec cet horrible virus et ce confinement obligatoire pour qu’une nouvelle envie se fasse sentir. Peut-être le bon moment…

Au fil du temps j’aime bien pratiquer ce genre de récréations, comme pour couper court au processus répétitif de la création d’un nouvel album avec sa promotion suivie d’une nouvelle tournée.

Dans un projet comme celui-là, il ne faut pas trop réfléchir et analyser. L’improvisation et la spontanéité sont toujours les meilleures alliées.

Donc, le truc, après toutes ces années passées, c’est plutôt d’envoyer un amical et musical clin d’oeil à toutes ces personnalités si singulières et talentueuses que j’ai eu la chance de croiser sur cette route mystérieuse qu’ils ont tous enrichie d’instants rares et privilégiés.

Et puis c’qu’est bien avec les reprises, c’est qu’ça n’donne qu’une envie … Réécouter les originaux ! »

«Dédicaces (My Spéciales Personnelles Covers)

Détrompez-vous, c’est bien de blues dont il s’agit, de Rythmn & Blues souvent. Et puis de nos jours, la seule chose qui importe c’est de savoir si c’est de la bonne musique.

« Not gonna be easy »

Dès l’entame, le riff est accrocheur, la basse et la batterie sont bien présentes. Ça pulse !

Elle prévient pourtant qu’elle ne sera pas facile. Le solo est efficace, sans fioritures excessives et ça fonctionne. Les cuivres en arrière rappelle l’essence mais aussi que Blues et Soul sont frères jumeaux. Le Hammond nous ramène à Stax. Le son est gras et le mix bien black, enfin si on peut encore oser dire cela par ces temps de bien-pensance. 

En écoutant « Here we go again », je ne peux m’empêcher de penser à Ray et Stevie.

Cet harmonica et la voix de Coltman ajoutée a à la sauce gombo originelle vous font effectivement vous sentir bien. 

L’intro de « Mine someday » me laisse imaginer que Robert Johnson est toujours aussi écouté; et boum ! Voilà que la Soul revue se met en route. C’est agréable, enlevé et là encore bien chaloupé. Mes doigts se mettent à claquer et ma tête à osciller. Le son de la gratte est bien roots burnside et la voix entourée d’une mantille de cuivres fait mouche. J’aime l’arrangement de fin; un classique revisité. Judicieux.

« Let him shine » semble au premier abord moins brillé mais se révèle finalement très musicale. Tout est à propos même si la voix paraît un peu en retenue, à mon goût. 

C’est finalement le saxophone et le piano qui vont se charger d’élever le tout.

Ce refrain est accrocheur, il sent bon le printemps mais je reste sur ma faim.

C’est finalement l’arrivée de Walter Ricci qui va sonner le glas de ma petite danse.

C’est une ballade bien Soul que n’aurait pas renié Aretha qui déboule dans nos oreilles. Et cette fois la voix y va. Le don’t you remember à deux voix et l’envolée qui suit sont les notes que mes oreilles guettaient. 

C’est Gospel par moment. L’arpège de la guitare et le Hammond  nous invitent à la communion, aux rapprochements des âmes, des corps aussi. Ce Don’t you know  est suave à souhait sans tomber dans la mièvrerie.

« Save your son ».

Non j’ai besoin d’une pause. Je veux écouter à nouveau la précédente.

Je continue mais j’avoue que je n’entends plus. 

Pause finalement. J’ai besoin de le partager avec quelqu’un. J’aime partager lorsque je découvre un projet que j’aime bien. 

Je discute un peu plus et les autres titres passent comme dans un rêve mais j’ai déjà l’essence de ce disque en moi.

C’est comme une vague qui nous porte, nous rappelle à d’anciennes gloires sans jamais les copier. Nous surfons sur un hommage aux pionniers aussi, aux gloires dont Marjorie a probablement écumé les œuvres sans se poser de questions. Englouti avec la voracité de celui qui crée déjà sans le savoir et a trouvé ce qui va devenir son univers de prédilection. Et sur la plage, l’écume de ces journées à disséquer les Anciens nous parvient.

Son engagement est total et le song writing très au point. Refrains accrocheurs, riffs et solos de cuivres dévastateurs, le tout dans un répertoire varié mais toutefois homogène. 

On regretterait presque qu’il n’y ait pas un choix plus franc au niveau de l’esthétique sonore et de la réalisation mais c’est peut-être là aussi la force de ce disque. Il est Blues et mainstream. Là je me dois d’avouer que j’aime beaucoup ce qui sonne roots, sale et pimenté. Ce n’est qu’un parti pris de ma part. 

Les amateurs de bonne musique s’y retrouveront.

Marjorie Martinez – Marjorie’s Blues Machine (Nissa Label, 2022)

FABRICE ROOTS

Son nouvel album ‘Travelling Medicine Man’ est à l’image de sa vie. On fait le tour du monde avec ce disque. Un tour aussi bien avec du rock, du blues, de l’afro jazz ou des rythmes plus latino. Le bougre mixe ces différents styles musicaux avec une incroyable dextérité. Oui, on voyage musicalement avec ce disque en commencant avec ce remuant “Shake It, Shake It, Shake It”, un titre qui démontre que la frontière entre le jazz et le blues rock est parfois mince. La suite nous emmène sur le continent africain avec “Surrounded”, dominé par une basse prédominante.

“Good,Good Man” sent, quant à lui, le blues à des centaines de kilomètres d’où l’on voyage directement vers la Nouvelle-Orleans.

Pourquoi pas ensuite donner dans le folk à la Bob Dylan avec un titre plein de mansuétude “”If You Go”, c’est le genre de chanson qui s’écoute dans son fauteuil avec un bon Jack Daniels aprés une dure journée de labeur. Après la détente, on enchaîne en se secouant les puces et “Miranda Blue” est le titre idéal pour ça, avec un peu de rock, de blues, un peu tout en fait mais sacrément punchy ! Un jeu de guitare avec des riffs et solos brillantissimes.

Quand l’Afrique et l’Amérique du sud se rencontrent, on obtient le succulent “Money Ain’t Everything”, avant de faire une pause tout en douceur avec “Enemies”.

Vous aimez le blues ? J’ai un titre pour vous : “Star Angel” où l’on s’imagine dans une rue en Louisiane, avec un vieux chanteur noir qui ferait son blues sur une vieille chaise.

On retrouve un artiste plus engagé avec le sémillant “Mister President”. Le rythme est joyeux mais cache un message bien plus profond. N’oublions pas qu’un des combats principaux de Bai Kamara est la corruption qui ronge le continent africain.

“I Don’t Roll With Snakes” est un titre qui me replonge dans les années 50, cette décennie qui a vu la naissance du Rock.

L’afro-jazz est également à l’honneur avec le joyeux “I’m A Grown Man” et “It Ain’t Easy”, un superbe moment de délicatesse bluesy.

Puisqu’il faut toujours une fin à tout, c’est “If I Could Walk On Water” qui clotûre magnifiquement cet opus. Pop, Blues, Reggae… Voilà un bel exemple de World Music. C’est en tous cas un beau bouquet final pour un superbe album.  (P.M)

Bai Kamara Jr & The Voodoo Sniffers Travelling Medicine Man 

(2023 – Moosicus Records)

PHILIPPE MAINI

C’est d’abord une belle surprise de constater que, dans l’hexagone, il existe une nouvelle voix “soul”, aussi maîtrisée et chargée d’émotions que celle de Justine Blue. On peut penser à Ricky Lee Jones, Joni Mitchell mais son timbre est vraiment originale et unique. Ajoutez à cela d’excellents musiciens se mettant au diapason d’une chanteuse qui nous fait passer par tous les états, avec une production et des arrangements de haute facture, et vous obtenez là un véritable bijou musical.

C’est un disque suffisament varié pour toucher tous les publics. Alors espérons ainsi que le succès sera au rendez-vous sinon c’est à désespérer de notre pays !

Les mots nous manquent pour exprimer notre bonheur d’écoute. Voilà un vrai régal pour nos tympans, un opus où l’on se laisse bercer au gré des notes. C’est certain, vous vous laisserez forcément emporter…

Justine Blue “True”

👉 https://youtu.be/pJ24IO-SQFk

En diffusion sur notre radio !

Pour rappel, Laura Cox est une des rares artistes à être autant invitée dans les festivals de Blues que dans ceux de Hard rock et c’est tout sauf un hasard. Pour la petite anecdote, Laura Cox est à la une du prestigieux magazine Rolling Stones, là aussi ce n’est pas un hasard. Elle a eu droit également à un article élogieux du journal Libération, vraiment une surprise quand on connait l’amour que porte ce journal au Rock.

Avec Head Above The Water, Laura Cox enfonce le clou et prouve qu’il faudra compter sur elle pendant de longues années.

PHILIPPE MAINI

Cory Seznec réussit là un tour de force en reliant les deux côtés de l’atlantique, mixant un univers breton, blues délicat directement importé des bayous de Louisiane et folk-country. Il ajoute au passage quelques touches ethniques venues directement d’Afrique et n’oublie pas d’inclure des sonorités issues de la nouvelle orléans. Bref, on pourrait presque classer ce scud dans la catégorie world music tant il est varié ! Pour tout dire, cet album est déroutant et hypnotique. On passe de la rumba africanisante de “Chop It Up” au jazz de la Nouvelle-Orleans de “”Bunco Artist” en passant par la musique ethnique kényane de “Msichana Auma”. Cory Seznec n’oublie pas la soul avec un intéressant “Peasant Under Grass” tout comme il fait un crochet vers la pop avec “Real Genuine”. Oui ce disque est déroutant et il vous faudra être patient pour l’adopter. A noter, un seul titre chanté en français avec “J’ai marié un ouvrier” qui est une reprise cajun du classique américain “House Carpenter”. Comme je vous le disais plus haut, c’est surprenant et je crois que même les fans du bonhomme seront étonnés par la teneur de l’objet. Soyez patients, écoutez-le plusieurs fois et vous arriverez à rentrer avec délectation dans l’univers de Cory Seznec.

Je tiens à remercier Eric pour le défi qu’il m’a lancé. J’ai vraiment bien aimé cet album attachant qui est presque parfait pour vous faire oublier une journée stressante. Une bonne mousse, Eyes on the Rise sur la platine, voilà peut-être tout simplement les recettes du bonheur.

Oui the guy is real ! This is real music by real musicians dirait feu Prince Roger Nelson.

Dès l’entame de « More than sunshine » et ce roulement de batterie, nous sommes frappés par l’identité Soul et la voix tout en élégance de cet artiste. Il a une signature vocale. Il se ballade entre riff de cuivres, orgue hammond, guitares et chœurs Gospel. C’est doux et rocailleux à la fois. Sa voix oscille entre le « je te rentre dedans le rock et je te caresse l’âme ». C’est magnifique de maîtrise et de nuances. Du soleil et des nuages à la fois, une aurore boréale par dessus les montagnes en 7ème et 9ème.

« Doomed from the start » est lui aussi un mid tempo bien senti truffés de riffs accrocheurs. La composition et les arrangements tombent à point. Je me laisse faire et commence à siffler. Vous savez il disent que lorsque c’est suffisamment familier et nouveau, il paraît que la sauce gombo à l’auvergnate est goûteuse.

J’adore « Stay away » et son avertissement sonne funky comme un Marvin et appelle à la danse. Ce pont de cuivres me plaît particulièrement et le son est très chaud, vintage à souhait. C’est dans un écrin de velours satiné que Sir Khan ronronne le mieux.

« Don’t look at me » creuse encore cette veine funky soul mais dans un style plus rugissant. Ce titre fera le bonheur des salles de concert. Il y exulte sa tristesse sur un solo de moog tranchant et invite à nous secouer les vertèbres par la même occasion.

« Hope » arrive à point nommé pour se poser. Chez moi c’est l’heure où le soleil décline lentement et où j’hésite à allumer. Je ne vais pas le faire. Je veux me laisser bercer par cet espoir, cette terre promise, cet ami qu’il évoque et tomber avec lui. Cet arpège à peine soutenu par le piano est léger et nostalgique. La voix se fait plus riche mélodieuse sur ce titre des plus réussi.

« Won’t be so long » est vraiment très orienté Otis ; ce n’est pas pour me déplaire non plus. 

Cette fois je prends mon casque et je vais faire un tour. Direction la mer avec pour fond cet ballade superbe. Entouré de trémolo et de tressautements, je fais vrombir ma 650 dans un éclat de pierre afin d’aller voir ce coucher de soleil sur Hammamet avec Sir Kahn dans les oreilles. Il feule, rugit et délivre un de ces instants d’émotion dont seule la Soul a le secret. La descente finale au hammond me trouve en train de sortir de la ville.

Je suis concentré sur la route et moins attentif alors « See it further », « Flying around » et « Alone » passent comme dans un rêve » mais j’aime cet état d’apesanteur où sa musique me plonge. C’est étonnant mais d’un seul coup j’entends le raggamuffin dans son flow alors que la musique se promène toujours du côté de Detroit Clermont puis Memphis Ferrand. Il explore aussi son registre falsetto et nous aide à entrevoir la richesse de sa palette et de ses influences.

Au moment où je descends enfin de ma selle le ciel est déjà bien bas et les premières notes d’« Out of the blue » me font frissonner de plaisir. Il dévoile une sensibilité à fleur de peau, une certaine mélancolie et un don infini pour chanter les choses de l’âme. C’est beau.

« I am in love with you » nous rappelle que face à l’amour nous ne sommes que bien peu de choses et qu’il nous faut prendre soin des nôtres, que rien n’est acquis. Ainsi face aux rayons qui se meurent je souris à cette demie lune qui me fait face.

« Brother i miss you » me trouve assis dans une semi obscurité. Il est temps que je rentre auprès des miens. La montée des violons me rappelle à mes obligations car oui « there is so much too loose ».

Au final c’est un bien bel opus servit par des musiciens de talents et superbement mixé.

FABRICE ROOTS

Si vous aimez le Blues sans la connaître, il va falloir réactualiser votre discothèque car elle sort un nouvel opus. Depuis son plus âge Madame Copeland écume les scènes, suivant les pas de son papa guitariste, feu Johnny Copeland. Toutes les influences du Blues sont convoqués, du Gospel au Rock, parfois teinté de Country. D’ailleurs la liste des invités ne laisse aucun doute sur ces intentions : Sonny Landreth, Cedric Burnside ou Charles Hodges. Vous ajoutez à cela d’habituels acolytes et avant même d’avoir écouté, vous salivez déjà.

Dès l’entame, la voix est puissante comme à l’accoutumée. J’étais en train rêvasser et là je tends vraiment l’oreille. Je m’installe dans mon siège Ikéa, me sert un rhum Damoiseau et ferme la porte de mon bureau. Ce moment là sera pour moi.

« Too far to be gone » me fait songer à Hound dog Taylor avec ces guitares bien grasses et saturées. C’est rentre-dedans, les paroles sont engagées et le Black lives matter résonne aux lèvres de la Diva. Les guitares balancées gauche et droite font un travail de sape, les solos sont justes, ce qu’il faut, pas plus. Tout est au service de la voix et du propos. Le riff est entêtant et me fait parfois penser à un ZZTop des origines.

« Pink Turns To Red » est encore une chanson engagée sur le thème des armes à feu. Elle relate les fusillades commises par des adolescents aux États-Unis. La voix de la dame tempète sur un tapis de guitares volantes et une rythmique appuyée et sans fioritures. C’est extra dirait mon ami Léo.

Sur « The talk », s’intalle Hodges, un sideman du grand Al Green. La guitare blues rock et son orgue hammond se déroule pour soutenir cette superbe ballade. C’est puissant comme appel au dialogue et Le solo est divin, la voix nerveuse, profonde nous prend au trip. Je ne sais qui est ce jeune homme mais elle va lui parler de son erreur. Il va s’en souvenir, c’est certain.

« Gullah Geechee » débarque et mon fils ouvre la porte, une superbe worksong. Il se fige et me demande qui est-ce. Il semble fasciné et reste écouter avec moi. Ce sera un moment à nous finalement. Le banjo et les chœurs nous transportent. Ils tapent lui aussi des mains et se met à dodeliner, gigoter plutôt, je le rejoins. C’est spirituel et transcendantal. Nous nous oublions tous les deux pour danser et puis il repart. Je reste avec cette voix et ce groove venus des champs de cotons, passés par la mer depuis le Mali.

« Fried Catfish And Bibles » est tout aussi entrainant mais dans un registre plus Country. Accordeaon, Washboard, violon, c’est la fête cajun, le groove zydeco.

Mais voilà que « Done Come Too Far » et mon guitariste favori ces derniers temps, Cedric Burnside et son bottle neck, sont invités à discuter avec Shemakiat Copeland. Il répond de la voix ou de la 6 cordes. Le duo fonctionne, le dialogue s’installe. Oui ceux là ne vont pas s’arrêter, ils respirent le Blues, le combat, le militantisme aussi. Peut-être l’un des titres les plus puissants de l’album. C’est planant et hypnotique à la fois, l’harmonie immobile et les slides servent à merveille la narration.

Bon décidément ce fauteuil Ikéa ne me convient pas et mon bobber est en panne. Pfff. Tant pis, je préfère le blues en roulant dans la pampa mais je me contenterai d’un repos scandinave pour le moment.

L’album s’écoule avec toujours ce sens de l’équilibre entre puissance, construction harmoniques et mélodiques.

Je pars me resservir un ti punch lorsque « The Dolls Are Sleeping » s’élève, avec ce riff très particulier à la guitare acoustique. Superbe ! Elle évoque ici les abus sexuelles, la pédophilie avec un sérieux et émotion, oscillant entre colère et tristesse. Je me rappelle la voix troublante de Koko Taylor ou Betty Lavette. Elles n’auraient pas renié ce titre.

« Dumb It Down » me semble plus convenu mais fonctionne avec brio. Le genre de titre qui enflammera probablement les salles. Un blues funky servi par l’ hammond virevoltant de Hodges j’imagine.

Et puis Muddy Waters débarque ! Ah non, il est mort. Paix à son âme. Tiens, mon fils est de retour. Je crois qu’il aime bien celle-ci aussi. Moi aussi. L’’arrivée du pont est rafraîchissante. Les guitares sont grasses à souhait et le solo fait grésiller mon enceinte droite. Ce “Nobody but you” est décidément très réussi.

C’est une bien belle œuvre qu’elle délivre. Solide, émouvante, puissante, engagée. Nul doute que cet album va encore tourner dans mon casque, d’autant que je ne l’ai pas encore écouté en traversant les paysages désertiques, le regard perdu au loin et les oreilles remplies de merveilles soniques.

FABRICE ROOTS